STANLEY KUBRICK
por Francisco Lemaitre
Si ya vieron el resumen de directores y películas por el cual tengo una especial sensibilidad audiovisual, me gustaría empezar comentando a Stanley Kubrick, que sin duda es para mi el realizador más perfeccionista y excentrico de los últimos 45 años, el cual sabido como ningun otro, más allá de producir films de un nivel cinematográfico increible, (por fotografía y diseño), imprimir en la mente de los cinefilos y público en general, el concepto AUDIO-VISUAL como ningun otro. Ha sido el único que en sus películas ha impregnado las imagenes con melodía ya escuchada de una tremenda potencia y agudeza, adueñandose de ellas de manera magistral. Sino, pensemos en 2001, (a Space Odissey, 1968), que tiene a Strauss y Penderecki, o La naranja mecánica (1972) que tiene a Beethoven y su Novena Sinfonía, o Barry Lyndon, que tiene a Bach, O The shining (1980) que tiene a Bartok y Ligetti. 
El director de cine Stanley Kubrick, fallecido a los 70 años de edad, nos dejó un legado cinematográfico que no lo vamos a volver a apreciar por mucho tiempo. Partiendo por Paths of Glory (1957) con Kirk Douglas, con quién Kubrick yá tenía una amistad desde Espartaco en 1960, la cual fue producida y protagonizada por Douglas.
Nacido en Nueva York el 26 de julio de 1928, de familia judeo-americana, Kubrick estudió en la Talf High School. A los 16 años se dio a conocer como fotógrafo gracias a las instantáneas que tomó a su profesor mientras leía 'Hamlet' y que publicó la revista 'Look'.
Al año siguiente, la misma revista le contrató como reportero gráfico y trabajó en ella y en la revista 'Life' durante algún tiempo. A los 21 años era uno de los mejores fotógrafos de América.
Kubrick se inició en el cine, de forma autodidacta, con dos documentales: su primer corto en 16 milímetros lo hizo en 1949 y se tituló 'The day of the fight' (Día de combate), y el segundo, en 1951, fue 'Flying Padre', lo realizó en México.
En 1953 abandonó su trabajo en 'Look' y con sus ahorros y los de su familia realizó su primer largometraje 'Miedo y Deseo' (Fear and desire), que fue un fracaso económico y que él mismo retiró al poco de estrenarse. Su segunda película, 'El beso del asesino' (1955), tampoco tuvo éxito.
Mientras tanto, sobrevivió participando en torneos de ajedrez y tocando la batería en un grupo de jazz. A los 26 años, junto con James B. Harris, fundó 'Harris-Kubrick Pictures', que produjo sus tres siguientes películas.
'Atraco perfecto', de 1956, supuso su primer triunfo; sus siguientes realizaciones supusieron importantes éxitos cinematográficos, al igual que 'Senderos de Gloria' (Paths of Glory) (1958) -película antibelicista-. 
La superproducción 'Espartaco' (1960) recibió tres Oscar (fotografía, dirección artística y a Peter Ustinov) y su versión completa fue proyectada en 1991, que incluía la parte que había tenido problemas con la censura. 
Otros éxitos fueron 'Lolita' (1962); 'Dr. Strangelove' (¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú) (1963); '2.001, Odisea del espacio' (1968); y 'La naranja mecánica' (1971), por la que fue nominado para el Oscar y que en 1974 a petición del director fue retirada de Gran Bretaña tras imitarse en este país sus escenas violentas. 
También destacan en su obra cinematográfica 'Barry Lyndon' (1975), que fue galardonada con cuatro Oscar 'menores' (fotografía, música, diseño y vestuario) en un año en el que triunfó 'Alguien voló sobre el nido del cuco';
Barry Lyndon (1975)Al desistir de rodar una biografía de Napoléon, Stanley Kubrick retrató los últimos y decadentes compases del Siglo de las Luces basándose en la novela de William Thackeray Las memorias de Barry Lyndon, un impresionante fresco histórico cuyo personaje central, un arribista sin escrúpulos en una sociedad de clases, conecta directamente con otros héroes retratados en su filmografía. Su perfeccionismo casi demente se deja ver en este filme más que en ningún otro, especialmente en la extraordinaria iluminación (evitando la luz artificial), en el vestuario y en la reconstrucción de batallas. Protagonizada por Ryan O’Neal y Marisa Berenson, el filme, de más de tres horas de duración, logra conjugar con maestría la épica del cine histórico con las obesiones más íntimas de Kubrick.
'El resplandor' (1980) y 'La chaqueta metálica' (1987) sobre la guerra del Vietnam. 
El resplandor (1980)Aunque Stephen King renegara de la versión cinematográfica que Kubrick hizo de su novela, y la crítica se empeñó en masacrarla (probablemente por el extrañamiento que produjo), lo cierto es que El resplandor marcó todo un hito dentro del género de terror y del cine en general, provocando larguísimas colas en los cines donde se exhibió. No es para menos. Veinticino años después, esta película sigue siendo el buque insignia del cine de terror moderno. Con una eficaz economía expresiva, imágenes inquietantes y despreciando el fácil uso de los sobresaltos, Kubrick crea con sus imágenes un clima de claustrofobia y angustia pocas veces igualado.
La chaqueta metálica (1987) Tras siete años de silencio, Kubrick quiso dar su visión sobre el absurdo de la guerra de Vietnam y así ofrecer la versión institucionalizada de la violencia que atraviesa toda su obra. Con un tono hiperrealista, pero sin perder de vista la estilización propia de su cine, el autor de Senderos de gloria revisitó el género bélico rompiendo sus estructuras y convenciones. Dividida en dos partes muy distintas, la instrucción de los marines y la guerra en el campo de batalla, la película se acerca con frialdad y crudeza a una barbarie real que acontenció en el sureste asiático (y que él reconstruyó en el sureste de Londres) para volver a alertarnos sobre el proceso de deshumanización que se ha apoderado de la civilización moderna.
Eyes Wide Shut (1999) Filme póstumo, Eyes Wide Shut es la respuesta de Stanley Kubrick a un fin de siglo que idolatra y banaliza el sexo con igual desmesura, el viaje onírico más exquisitamente freudiano desde Recuerda. A partir del Relato soñado de Arthur Schnitzler, el director de Lolita volvió a detenerse en las intrincadas redes psicológicas del sexo y sus máscaras sociales. La historia explora el enfrentamiento de un matrimonio (interpretado por Tom Cruise y Nicole Kidman cuando estaban casados) con su propia sexualidad y el omnipresente miedo al adulterio, consumado o soñado. En los universos fríos y secretos de las películas de Kubrick, el sexo se revela en su última obra como la imposible verificación de la verdad amorosa. 
1955 T.O.: Killer KissDirector: Stanley Kubrick Música: Gerald Fried.
El beso del asesino (1955)Apreciable sobre todo por sus logros en la sala de edición, el ‘debut oficial’ de Stanley Kubrick es una película de serie negra con Frank Silvera en la piel de un boxeador que trata por todos los medios de ayudar a una bailarina en problemas. Aunque el filme padece las debilidades propias de un director aún inexperto, al frente de una película realizada con pocos medios, son destacables ciertas imágenes de gran impacto visual y la capacidad de Kubrick por crear una atmósfera dura, violenta, casi irrespirable, que recorrerá sus obras posteriores.
1956
T.O.: The Killing Director: Stanley Kubrick Música Gerald Fried. Atraco perfecto (1956)Este filme de corte clásico descubrió al joven Kubrick ante el público y la crítica, un policíaco basado en la novela de Lionel White que instantáneamente entró a formar parte de las grandes obras del cine negro y ha sido repetidamente comparado con La jungla de asfalto de John Huston. A raíz de la historia de un ex-convicto (Sterling Hayden) que recluta a un grupo de hombres para atracar un hipódromo, Kubrick expresa ya aquí su fe limitada en la meticulosidad y los planes milimétricos del ser humano, que en última instancia siempre están al servicio de los misteriosos planes del destino.
1957 T.O.: Paths of Glory Director: Stanley Kubrick Música: Gerald Fried.
Senderos de Gloria puede considerarse una convincente obra maestra del cine donde se refleja la vida en una trinchera francesa durante la 1ª Guerra Mundial, a la vez que la ferocidad y crueldad de la guerra, aunque en este caso vengan dadas, principalmente, por la política y burocracia militar del propio bando.
Ambientada en el dramático ataque a la Colina de las Hormigas, que el General francés Miró (dejándose tentar por el ascenso ofrecido por parte del General Staff a cambio de recuperarla) ordena al Coronel Dax (Kirk Douglas). 
En un principio, el coronel intenta negarse ya que dicho ataque lo considera un suicidio, puesto que las bajas se estimarían en más de la mitad de sus hombres. Tras una batalla dialéctica donde el General Miró intenta convencerle bajo el motivo del patriotismo el Coronel le responde con la siguiente frase (asombrosa para la época): "El patriotismo es el último refugio de los canallas".Aunque finalmente el Coronel sucumbe ante el chantaje del general, el cual le destituirá de su cargo si no toma la Colina de las Hormigas.
Aquella misma noche el coronel Dax envía una patrulla de tres soldados (de la cual solo regresan dos) para investigar la situación. Los informes son negativos, la colina es imposible tomarla. Los soldados son conscientes de que la mayoría van a morir y su moral esta muy baja, por ello se pasan la noche hablando sobre la mejor forma de morir.
Antes de iniciar el ataque el coronel Dax inspecciona la trinchera donde asustados se agolpan todos sus hombres. Es en este momento en el que la cámara hace un impresionante recorrido a través de la trinchera y de las caras, donde el espectador puede captar el sentimiento de miedo de los soldados.
El primero en salir es el Coronel Dax y detrás de él todos los soldados que poco a poco van cayendo. La cámara no deja de seguir al coronel como si fuera un soldado más. El avance es muy lento y la mayoría van muriendo.
Mientras tanto, desde su cómoda situación el general Miró observa el ataque, pero la lentitud del ataque provoca en él una situación de "rabieta personal" y en vez de enviar refuerzos pide a los artilleros que disparen sobre sus propios soldados para hacerles avanzar, orden que el Oficial en mando se niega a cumplir.
Finalmente, los soldados, ante la evidente imposibilidad de avanzar, regresan a la trinchera. Todo ello genera un deseo de venganza personal en el Coronel Miró que, bajo el pretexto de dar ejemplo de castigo a todo el regimiento, le lleva a convocar un Consejo de Guerra por alta traición y cobardía sobre tres soldados (uno elegido al azar y otros por motivos personales).
Tras una farsa de Consejo de Guerra donde al abogado, el propio Coronel Dax, no le es permitido usar argumentos para defender a los soldados, estos son condenados a muerte.
En las últimas horas de vida de estos desdichados soldados se ponen de manifiesto diversas formas de enfrontar la muerte, aunque todos ellos son conscientes de que se va a cometer una gran injusticia
En un desesperado intento de salvar a los tres condenados, el Coronel Dax visita al General Staff, que tranquilamente estaba dando una fiesta, para que cambie la sentencia. Su base argumental se basa en que si se han de castigar todos los actos incorrectos se habría de revisar al General Miró que cometió una gravísima falta mandando disparar contra sus hombres. Aunque el General Staff reconoce este error de afirma en la necesidad de condenar a los tres soldados para dar ejemplo a todos.
Al fusilamiento acude la prensa y diversas personalidades. Este patético espectáculo se ve agravado todavía más porque uno de los condenados acude a su fusilamiento atado e inconsciente en una camilla y porque quien dirige al pelotón de ejecución es uno de los cabos que cobardemente, y por motivos personales, acusó a uno de los reos que él manda fusilar.
Finalmente, y para limpiar su conciencia, el General Staff manda abrir una investigación sobre el General Miró y le destituye, ofreciendo al Coronel Dax el puesto que queda vacante. El Coronel se niega a esta proposición haciendo además una dura crítica a todo el sistema militar.
Contexto histórico
La película se centra en el período de la I Guerra Mundial, 1914-1918. Una guerra que fue mucho más lenta de lo que sus "precursores" preveían. Es este un enfrentamiento militar totalmente diferente a los que se habían desarrollado con anterioridad en el continente europeo. Hay que destacar que es el primer conflicto bélico con el sobrenombre de "Mundial" ya que estuvieron involucradas la casi totalidad de las potencias mundiales de la época. También hay que destacar el hecho de que en estas guerra se utilizaron nuevas formas de lucha, tanto en armas (químicas, lanzallamas, tanques, etc) como en la forma en la que quedaron establecidos los frantes. Es justamente en el aspecto de lo que se denominó "la guerra de trincheras" en lo que se dentra esta película.
1960 T.O.: Spartacus Director: Stanley Kubrick Música: Alex North Espartaco (1960)“Lucha de clases en 70 mm”, así tituló con gran acierto la revista ‘Film Ideal’ su crítica de Espartaco, un espectáculo épico con mensaje político (debido a un guión de Dalton Trumbo) que Kubrick dirigió contratado por Kirk Douglas (no sólo protagonista, sino auténtico artífice del filme) en sustitución de Anthony Mann. Hoy clásico del peplum, el director evitó todos los tópicos del género y obtuvo con este filme su primer taquillazo, su pasaporte a la independencia de la que hizo gala el resto de su carrera.
1962 T.O.: Lolita Director: Stanley Kubrick Música: Nelson Riddle
Lolita (1962). Embarcando al propio autor de la novela, Vladimir Nabokov, en la escritura del guión, Stanley Kubrick firmó con Lolita una obra maestra que en nada tiene que envidiar a su fuente literaria. Desde la “nínfula” interpretada por la niña Sue Lyon (quien quedó para siempre encasillada en el mito tras su asombrosa interpretación) al sombrío Humbert Humbert incorporado con genialidad por James Mason, respaldados ambos por las vitales aportaciones de Shelley Winters y Peter Sellers, todos los participantes estuvieron a la altura de un proyecto que nació con el aura del escándalo y cuyas imágenes siguen hoy causando el erotismo turbador que pretendían. Con este filme comenzó el verdadero culto por un director que estaba llamado a liderar los caminos del cine moderno.
1963 T.O.: Dr. Strangelove Director: Stanley Kubrick. Música: Laurie Johnson O.M.:
Dr. Strangelove(1964). Convencido de un complot comunista, un general norteamericano (Sterling Hayden) envía sus B-52 a bombardear Rusia, pero todas las medidas que ejerce el Pentágono para detener el ataque no dan resultado. Con un humor corrosivo, Stanley Kubrick hace desfilar a una serie de hilarantes y siniestros personajes incapaces de detener la maquinaria nuclear. Farsa devastadora, ¿Teléfono Rojo? Volamos hacia Moscú aborda una locura tan salvaje como la guerra nuclear quizá desde el único punto de vista sensato: la comedia disparatada. En un tiempo en el que la psicosis mundial en torno a las armas de destrucción masiva alcanzó su punto más histérico, Kubrick convirtió el horror en humor vitriólico, consolidando su fama de director agresivo y comprometido.
1968. 2001 : Una Odisea del Espacio T.O.: 2001 A Space Odyssey Director: Stanley Kubrick Música: varios .O.M.:.
Clásico por antonomasia de la ciencia-ficción, Stanley Kubrick llevó el género a su madurez con este hipnótico filme. Desde las sobrecogedoras escenas del amanecer del hombre hasta el nacimiento final del “niño estrella”, la película conduce al espectador a un fascinante viaje por los confines del universo y la historia pasada y futura de la evolución humana. El misterio y la belleza que encierran sus imágenes, embargando al espectador en una especie de rito religioso, todavía dan pie a infinitas elucubraciones sobre el simbolismo que encierra la película, que, en palabras de su creador, es “la explicación racional de la existencia de Dios”.
Uno de los monos de la secuencia de "el amanecer del hombre" es Danny Glover, el popular actor de la serie de "Arma Letal", en una de sus primeras apariciones en la gran pantalla. Fabio Tenegi
Carecía de créditos al inicio de la película, algo absolutamente inusual en la época de su estreno (1969). El Camorrero
Douglas Rain (la voz de HAL) jamás pisó el set de filmación. El Camorrero 
Todos los monitores de ordenador que aparecen en la película, son en realidad retroproyecciones de películas de dibujos animados. De hecho, en la escena del rescate del cadáver en el espacio, uno de los monitores de la cápsula (puede que el de abajo a al izquierda) muestra claramente un pelo o un arañazo en uno de los fotogramas. Eduardo Forniés Gancedo
Freeborn (maquillador) fue quien diseñó el movimiento mecánico de la boca de los simios originalmente para "El Planeta de los Simios", pero lo mejoró y perfeccionó para "2001: Una odisea del espacio". David Rodriguez Heredia
En la parte del principio de la película, "El Amanecer del Hombre", en un principio no eran monos sino una especie de "Hombre de Pekin", es decir el antecesor al Homo-Sapiens, asi pues Stuart Freeborn (el maquillador de la película) hizo unos diseños impresionantes de hombres semidesnudos. El problema fue que Kubrick quería que se viesen los actores totalmente desnudos, pero la censura de la MGM no lo permitió, con lo que Freeborn hizo unas prótesis de maquillaje para esas partes sexuales, pero no convencieron a Kubrick. Se pensó en ponerles unos taparrabos, pero quedaba fuera de estilo, asi que Kubrick le dijo a Freeborn, que volviese a hacer todo el maquillaje basándose en simios. David Rodriguez Heredia
Para hacer la película Kubrick estuvo 4 años junto a investigadores de la NASA para tener la seguridad de que todos los adelantos electrónicos y ordenadores existiesen en el verdadero 2001. Carles
En la primera parte de la película, se puede ver un felino de la época comiéndose una cebra. La cebra era en realidad un burro pintado. Gabriel Perez
La pequeña niña que aparece en la película hablando con su papá por teléfono es una de las hijas de Kubrick. camila darrigrandi
En la pantalla de la computadora HAL aparece de repente la palabra "EMET" Que significa en hebreo: "la verdad". Juan Cardemil
La pelea entre el astronauta David Bowman y HAL se asemeja a la de David y Goliat, por eso el nombre David para el astronauta que mata a la gigante computadora destruyendole la cabeza, al igual que David. Juan Cardemil
Las escenas de "El Amanecer del hombre" fueron realizadas mediante un sistema de espejos y pantallas reflectoras, haciendo coincidir el eje de la cámara, con el eje del proyector. De esta manera, los exteriores que la segunda unidad había filmado en Tanganika se pudieron acoplar perfectamente con la acción que era rodada en los estudios. Antonio C. Stebler
El "Optical Printer" servía para impresionar en una misma película varios elementos filmados por separado. Combinado con el "Big-Pack" permitía toda clase de encuadres y sobreimpresiones. Estas técnicas fueron desarroladas y ampliadas para conseguir los efectos del film y serían muy utilizadas posteriormente. Antonio C. Stebler 
El "Slit-Scan" consistía en una serie de diapositivas automáticas que permitían impresionar, en la oscuridad más absoluta, un haz luminoso con el fin de obtener efectos particulares. De este modo, y con la ayuda de cientos de negativos de pinturas "Pop", modelos arquitectónicos, circuitos impresos y fotografías de microscopio electrónico de estructuras moleculares, se pudo hacer la secuencia del "viaje alucinante" de Bowman más allá de las estrellas. Antonio C. Stebler
La Luna se elaboró en los estudios teniendo en cuenta las fotografías de la NASA y con arena teñida de azul. Antonio C. Stebler
En un principio, la voz de HAL iba a ser la del actor británico Nigel Davenport. IMDb
Los actores eran sujetados por cables cuando salían de la nave para dar la impresión de moverse en el espacio, que en realidad era de terciopelo negro. Antonio C. Stebler
Kubrick Finalizó el trabajo con los actores sin que éstos sepan muy bien el sentido de sus escenas. Kubrick no se las aclaró. Antonio C. Stebler
Aunque Kubrick había encargado a Carl Orff para que hiciera la banda sonora del film trabajando música electrónica concreta, decide que Alex North (autor de la música de "Espartaco") sea el compositor de la película. Compone la música en Londres en estos dos meses pero, finalmente, Kubrick la desecha al tomar la decisión de utilizar fragmentos de música clásica para las imágenes de 2001. Antonio C. Stebler
El "Big-Pack" era una cámara que tenía dos películas. En la primera había ya imágenes y la segunda era virgen. Así se podían rodar algunas figuras complementarias sobre un fondo, dando un mayor realismo y verosimilitud que la transparencia. Se usó en las secuencias de la estación espacial y de la nave "Aries". Antonio C. Stebler
1971. T.O.: A Clockwork OrangeDirector: Stanley Kubrick Música: Wendy Carlos O.M.: .
En palabras del propio Kubrick, el filme “habla de las limitadas posibilidades que tiene el hombre para elegir entre el bien y el mal”, estableciendo así una reflexión sobre los límites del libre albedrío. Película incatalogable y atemporal, nunca la violencia había sido llevada al cine en términos tan realistas. Alex, protagonista de esta fábula moral basada en la novela homónima de Anthony Burgess, ha entrado en la historia de los personajes más perversos jamás creados en ficción, siniestra recreación del inconsciente oscuro que todos llevamos dentro.
1975. T.O.: Barry Lyndon Director: Stanley Kubrick Música: Leonard Rosenman (arreglos) O.M.: .
1980 T.O.: The Shining Director: Stanley Kubrick Música: Wendy CarlosO.M.:
EL RESPLANDOR (The Shining, 1980) Por Sergio Vargas (extracto)
Barry Lyndon (id., 1975), la anterior película de Kubrick, supuso un enorme fracaso en taquilla, y mientras que a otros directores/autores esto les resbala siempre y cuando hayan hecho lo que han querido con SU película, al director de La naranja mecánica (A Clockwork Orange, 1971) no le hizo ninguna gracia y estaba decidido a hacer una de las películas más taquilleras en el año de su estreno, cuando quiera que éste fuese. Porque pasaron cinco años desde Barry Lyndon hasta el estreno de El resplandor. Kubrick quería hacer una película de terror, un género en el que no había trabajado hasta entonces, y buscando un material sobre el que trabajar se interesó en primer lugar por la novela "The Shadow Knows", de la escritora Diane Johnson. Aunque finalmente se decantara por la de Stephen King de igual título que el film, y coescribió el guión con Johnson. El prolífico escritor (que por aquel entonces tan sólo contaba con tres o cuatro novelas) se aseguró de que en el contrato figurase él mismo como autor del primer guión, pero lo cierto es que lo único que hicieron con él Kubrick y Diane Johnson fue leérselo. Aún así, esto se decidió en 1977, ¿Por qué tres años hasta el estreno? Bueno, en primer lugar, Kubrick estuvo más de un año eligiendo los decorados, todos ellos idénticos a edificios ya existentes, tanto en lo referente al exterior del hotel en el que se desarrolla la historia como a los interiores. Una vez se construyó todo, comenzó el rodaje, que se prolongaría durante diez semanas más de lo previsto, principalmente debido a unos fuertes dolores de espalda de Jack Nicholson (aunque el compañero de juergas de Polanski hacía lo posible por calmarlos a base de su diaria dosis de cocaína), con el consiguiente aumento de presupuesto, que alcanzó los veinte millones de dólares, casi el doble de lo que estaba destinado en un principio. Por último, la postproducción se prolongó hasta prácticamente el estreno de la película, a mediados de 1980. El estreno, primeramente se hizo sólo en unos pocos cines de EEUU por si a Kubrick le daba por hacer retoques; evidentemente, esto sucedió. El director recortó veinticinco minutos del montaje original, con epílogo incluido.En El resplandor, Jack Nicholson interpreta a Jack Torrance, escritor de poca monta (como casi todos los personajes masculinos de Stephen King) que decide aceptar el empleo de vigilante del Overlook Hotel durante el largo invierno en el que éste es cerrado al público. Allí se desplaza con su esposa Wendy, a quien da vida Shelley Duval y su hijo de cinco años Danny (Danny Lloyd) con idea de encontrar la tranquilidad que necesita para escribir la obra que le llevará a la fama. De este modo se convierten en los únicos habitantes del enorme hotel, un hotel que se queda aislado a causa de la nieve durante casi todo el invierno y en el que unos años antes otro vigilante asesinó brutalmente a su mujer y a sus dos hijas, para suicidarse después. El título del film hace referencia a un poder precognitivo que posee Danny, y que comparte con Halloran (Scatman Crothers), el cocinero del hotel.
Aunque bastante desvirtuadas en su lamentable doblaje para la versión española (cuyas voces eligió el propio Kubrick) las interpretaciones de la pareja protagonista son muy buenas. Es cierto que Nicholson está más sobreactuado que nunca, pero también lo es que el papel lo requería, y de hecho Kubrick hizo lo imposible para desquiciarle, tanto a él como a Shelley Duval, que tuvo que ser internada en un psiquiátrico tras el rodaje. Curiosamente la actriz fue nominada en los Razzies de ese año a la peor actriz (y Kubrick al peor director¿?), una decisión que no comparto en absoluto, aunque sólo fuese por la escena (la más recordada de la película) en que Jack intenta entrar a golpe de hacha en el baño cerrado por dentro y Wendy está encogida a un lado de la puerta con un cuchillo completamente aterrorizada y con un rostro que es la auténtica personificación del miedo. Kubrick les hacía repetir decenas de veces todas las escenas aunque la primera toma fuese perfecta, incluso al pequeño Danny Lloyd, una posible razón de que no hayamos vuelto a verle delante de una cámara, y a Scatman Crothers que no era ningún jovencito. Mientras que en la novela el descenso de Jack hacia la locura venía provocado por la maligna influencia de un hotel embrujado (casualmente ubicado sobre un antiguo cementerio indio) en el film podemos comprobar como el escritor poco a poco va recorriendo el solito ese camino, si acaso ayudado por el aislamiento, y una compañía que quizá no sea la más adecuada para alguien que quiere dedicarse por completo a escribir. 
Pero por mucho que Stephen King se quejara de estos hechos diciendo que Kubrick no entendía el cine de terror por haber trasladado la maldad del edificio a los personajes, y de que desapareciesen los setos con forma de animales que al final cobraban vida y de que el hotel no explotase, puede decirse que todos los cambios sustanciales con respecto a la novela fueron grandes aciertos, aparte de que salvo estos detalles y poco más (como que en la novela Halloran sobreviviese después de que Jack le dé una buena paliza con un enorme mazo de croquet) la película es una adaptación bastante fiel. Y de hecho, los fantasmas también aparecen. Por citar un ejemplo, dentro de las virtudes del guión de la película frente a la novela está la excelente elipsis en la primera incursión del niño en la habitación prohibida. En lugar de enterarnos de lo que le pasa como ocurre en la novela, cuando Danny abre la puerta nos trasladamos al salón donde Jack y Wendy inician una discusión, y al rato aparece Danny con unas marcas en el cuello. Inmediatamente Wendy sospecha de Jack (que tiempo atrás perdió los estribos con el crío cuando sólo era un bebé) y este será el principio de la debacle. Por supuesto, nosotros sabemos que le ha sucedido algo en la habitación pero nada puede haber peor que cualquier cosa que nos podamos imaginar, hasta que todo quede claro en la segunda incursión, esta vez a cargo de Jack.
Como siempre con Kubrick, en el apartado técnico la película es poco menos que perfecta. Los decorados fotografíados inteligentemente por John Alcott, potenciando los rojos en el interior del hotel, y que tanto tiempo se tardaron en escoger, son todos ellos dignos de recuerdo, pero hay que destacar el intrincado laberinto por el que fueron sustituidos los setos zoomórficos, y en general todos los interiores, desde el gran salón donde Jack tendrá el primer encuentro con el más allá, hasta los baños donde habla con el fantasma de Grady, el antiguo vigilante, en una de las escenas más inquietantes del film, o los enormes pasillos por los que la cámara se mueve sorprendentemente con gran destreza siguiendo desde detrás el periplo de Danny con su triciclo. Tanto en esta escena como en la que Jack persigue a Danny a través del laberinto o en la que Wendy se defiende de él con el bate de béisbol en las escaleras Kubrick se aprovechó de la utilización de la steady-cam, que inventó Garret Brown un par de años antes, y al que utilizó como operador de cámara en la película.
La muy bien seleccionada banda sonora está compuesta en su mayoría por piezas clásicas de Bela Bartok, Gyorgy Ligeti y en mayor medida de Krzysztof Penderecky, y algunos temas de los años 30 durante la escena de la fiesta (fantasma) en la que Jack conoce a Grady.Para muchos se encuentra entre los mejores films de terror de todos los tiempos. Desde luego, los elementos los tiene, y sin duda se encuentra entre lo mejor del género en los años 80 y muchas de sus imágenes merecen por derecho propio encontrarse en cualquier antología: Todas en las que sale Jack Nicholson con el hacha, los torrentes de sangre manando de los ascensores que tantas veces ha sido copiada con mayor o menor suerte (aún no puedo olvidar aquel lamentable collage de películas que es Horizonte final (Event Horizon, 1997. Paul W. S. Anderson)), o las hijas gemelas de Grady que invitan a Danny a que juegue con ellas (y me temo que no precisamente a los médicos) o los espeluznantes flashes en que aparecen descuartizadas en el pasillo.
1987 T.O.: Full Metal Jacket Director: Stanley KubrickMúsica: Abigail Mead
1999 T.O.: Eyes Wide Shut Director: Stanley Kubrick Música: Jocelyn PookO.M.:
